GISELA MCDANIEL

Helbredelse gjennom kunst
Gisela McDaniel
Ord av Matthew Burgos

Bilder med tillatelse fra kunstnere og Pilar Corrias Gallery i London

Ens reise mot helbredelse kan føre dem bort fra personen de var før. Forandringens skjelvinger skifter oppfatning og transformerer personen, fjerne den gamle huden i lag. "Healing er ikke lineær. Du går ikke fra punkt A til punkt B, fra såret til fullstendig helbredet. Det er en transformasjon. Du vil aldri bli den samme personen du var. Det er en del av deg, men det trenger ikke å bli deg. Du vokser og blir en mer kompleks, informert, og, forhåpentligvis, sterkere person. Jeg skulle ønske at verden vi levde i ikke krevde at folk skulle lære å være motstandsdyktige for å overleve." Disse kraftige ordene fra kunstneren Gisela McDaniel snakker til en person som aksepterer tap mens han fokuserer på selvoppdagelse.

En utsikt over kunstnerens studio viser flekker av svart og hvit maling som draperer det sementerte gulvet og lerreter av varierende størrelse, enten hengende eller liggende på en hvit vegg. Når man går nærmere maleriene for å granske deres jordtoner og personlige historier, du finner folk som identifiserer seg som kvinner, ikke-binær, urfolk, flerrase, innvandrere. De kneler eller ligger på et teppe eller på gulvet i en leilighet, en jungellignende bakgrunn ruver over kroppene deres. En diasporisk, innfødt Chamorro-artist med base i Detroit, McDaniels praksis innen kunst bruker sosial forskning, oljeportretter, identitet i diaspora, og bevegelsessensorteknologi. "Kunst har alltid vært mitt førstespråk og kommunikasjonsform. Jeg husker at jeg så et impresjonistisk maleri av Monet et sted og ble så fascinert av scenen som ble skarpere og mykere etter hvert som jeg beveget meg fremover og bakover. Jeg ble så fascinert av at jeg kunne se hvor kunstneren satte spor og tenkte: Det kan jeg også."

Mens kunsten hennes forteller kropper, stemmer, og historier om kvinner og ikke-binære mennesker, det skaper en trøst for de som har overlevd kjønnsbasert seksuell vold. Det er et personlig redskap for de overlevende å gi uttrykk for sine erfaringer og hvordan volden har påvirket dem. Som en overlevende selv, McDaniel forstår og lar motivene hennes varierende grad av anonymitet når hun maler kronikkene deres. "Jeg begynner maleriet mitt under den første samtalen jeg har med motivet og avslutter det når maskene legges til maleriet, samt å plassere stemmen deres i lerretets rom. Min prosess begynner i et intimt og privat rom, så legger jeg gradvis på beskyttende lag til den er klar til å deles i et offentlig rom eller utstilling." Under samtalen mellom henne og hennes undersåtter, hun plasserer en opptaker mellom dem og spør dem om deres viktigste gjenstander, symbolene på hvem de var, og hvordan de er. Ved å samarbeide med fagene, en følelse av kontroll gis tilbake til dem når de styrer skipet om hvordan de er representert. De bestemmer plassen og med hvilke objekter og posisjonering for å gjenvinne autonomi og privatliv.

Å se maleriene forankrer bare en del av reisen for å forstå historien bak kunsten. McDaniel opererer med bevegelsessensorteknologi for å fordype publikum i kunstverkene hennes, plassere dem i forsøkspersonenes sted og deres erfaringer. Maleriene våkner til liv når de snakker tilbake til publikum når sistnevnte utløser sensoren. Som McDaniel forteller Blanc, "lyden er på plass for å frigjøre personen fra ansvaret for å bære historien alene. Så mange mennesker opplever seksualisert vold. Jeg håper å sette disse historiene ut i verden, så overlevende er ikke de eneste som er ansvarlige for å håndtere dette problemet. Vold mot kvinner og femme-identifiserende mennesker er et globalt tema som har vært tilstede gjennom historien og koloniseringen. Historiedeling er en kritisk prosess, en dialog, som lar et delt perspektiv dukke opp og muliggjør bevegelse mot løsninger som til slutt vil gjøre verden tryggere for alle. Jeg velger å jobbe med bevegelsessensorer da de skaper en fysisk grense for maleriet: du kan ikke tre inn i maleriets personlige rom uten å interagere med historien, akkurat som du ville samhandle med en person. Den ber seeren vurdere noens forhold og behandle dem med respekt, som jeg mener er minimum, men noen mennesker trenger å bli minnet på."

På spørsmål om et maleri har hun jobbet med som speiler hvem hun er som individ og kunstner, McDaniel aksjer "Cleveland: Where She Went/What She Saw hedrer og forteller historien om tre generasjoner av Navajo (Annen) kvinner. Vi spilte inn historien til den eldste, som flyttet fra reservatet i Arizona til sekretærskolen i Cleveland, Ohio, før hun henvendte seg til de yngste på hennes jakt på gjenvinning av tradisjonene deres." De tre kvinnene sitter i en sofa. Betydelige symboler pepper lerretet, for eksempel et portrett i vintage lommebok, en streng med havblå perler som ligner kvinnens halskjede til høyre, og presset blomster og smykker over en strandlignende setting.

"Jeg har ofte tenkt på transformasjon og hvordan alle hendelsene i livene våre, hvert menneske og hvert øyeblikk vi møter, forvandle oss. Jeg tror absolutt transformasjon er uunngåelig og nødvendig. Verden rundt er alltid i endring, og vi må tilpasse oss for å overleve og bli bedre for hverandre. Som vår verden og teknologi vokser og utvikler seg, det er vårt etiske ansvar å transformere åndelig og sørge for at vi fortsatt bryr oss om landet og menneskene rundt oss. Det er så mange måter å tenke om metamorfose på, men det er nødvendig å fostre omsorg og empati i verden ettersom vi gjennomgår så mye. Vi må kjempe for sikkerheten, egenkapital, og empati for alle når verden kaster bort sine utdaterte og ofte urettferdige systemer. Vi er veldig midt i endringen; vi må omfavne det og lene oss inn uten å glemme hvem vi er og hvor vi kommer fra." I Gisela McDaniels metamorfose, hun støver av skjellene på kokongen hennes, flyr til kanten av stupet, og svever høyt for å fortelle om samfunnets helbredelse gjennom kunst.